Die Geburt der Oper und der Basso continuo

Um 1600 kippte etwas. Nach zwei Jahrhunderten Polyphonie mit gleichberechtigten Stimmen wollten italienische Musiker, dass eine einzige Stimme singt, deutlich im Vordergrund, und die Leidenschaften einer Figur ausdrückt – Freude, Zorn, Verzweiflung –, so wie es ihrer Meinung nach die Schauspieler der griechischen Tragödie getan hatten. Innerhalb weniger Jahre entstand aus dieser Idee eine Gattung, die Oper, und eine Begleittechnik, die anderthalb Jahrhunderte lang herrschen sollte, der Basso continuo.

Florenz: Gelehrte träumen vom antiken Drama

In den 1570er- und 1580er-Jahren trafen sich Gelehrte, Dichter und Musiker im Haus des Grafen Giovanni de’ Bardi in Florenz: Man kennt sie als Florentiner Camerata. Zu ihnen gehörte Vincenzo Galilei, Lautenist, Theoretiker (und Vater des Astronomen Galileo). Sie beklagten, dass die Polyphonie die Worte unter verwobenen Stimmen ertränke. Ihre Lösung: die begleitete Monodie, eine Solostimme, die den Text frei deklamiert, gestützt von einigen Akkorden.

1600 brachte Jacopo Peri in Florenz zu den Feierlichkeiten der Hochzeit Maria de’ Medicis mit König Heinrich IV. von Frankreich Euridice auf die Bühne, durchgehend gesungen: die älteste Oper, deren Musik erhalten ist. Sieben Jahre später stellte Claudio Monteverdi am Hof von Mantua L’Orfeo (1607) vor. Monteverdi legte sein ganzes Können als Madrigalist hinein: ein abwechslungsreiches Orchester, Chöre, Tänze, Arien, Momente, in denen der Gesang des Orpheus zum Flehen wird. Es ist das erste Meisterwerk der Gattung, und es wird bis heute aufgeführt.

Rezitativ und Arie

Die Oper ordnete sich bald um zwei Arten des Singens:

• das Rezitativ, nah an der Sprache, das die Handlung vorantreibt: Der Sänger folgt dem natürlichen Rhythmus der Worte über einer sparsamen Begleitung;
• die Arie, in der die Handlung anhält, damit eine Figur ein Gefühl ausdrücken kann, auf einer echten Melodie, oft mit Wiederholungen. Später wurde die Da-capo-Arie (A-B-A) zum Standard, wobei der Sänger die Wiederholung frei verzierte.

1637 eröffnete Venedig das erste öffentliche Opernhaus, das San Cassiano: Nun konnte jeder eine Eintrittskarte kaufen. Die Oper verließ die fürstlichen Feste und wurde zu einer modischen Unterhaltung, und Venedig hatte bald mehrere Theater. Monteverdi, inzwischen Venezianer, schrieb dort Die Krönung der Poppea (um 1643). Die größten Stars der Barockoper waren die Kastraten, Sänger mit hohen, kraftvollen Stimmen, die für ihre Virtuosität bewundert wurden, wie Farinelli im 18. Jahrhundert.

Der Basso continuo, der Motor des Barock

Unter der Solostimme braucht es Harmonie. Der Komponist schreibt nur die Basslinie, manchmal mit kleinen Ziffern, die die Akkorde angeben (bezifferter Bass). Ein oder mehrere Musiker führen sie improvisierend aus: ein Cembalo oder eine Orgel, eine Laute, eine Theorbe (eine große Laute mit langem Hals) oder eine Gitarre für die Akkorde und oft ein Cello, eine Gambe oder ein Fagott zur Verstärkung des Basses. Dieses Team, das „ununterbrochen“ vom Anfang bis zum Ende spielt, nennt man den Continuo. Er findet sich in fast aller Musik zwischen 1600 und 1750: Opern, Kantaten, Sonaten, Konzerte.

Durch den Continuo ist Barockmusik von unten nach oben gedacht: ein solider Bass und eine Melodie, dazwischen Akkorde. Er ist der direkte Vorfahre der Akkordschemata in Jazz und Pop, wo eine Begleitung ebenfalls aus Symbolen improvisiert wird.

Eine Bassformel wurde sogar zum Symbol der Klage: ein Abstieg in Halbtönen über eine Quarte. Purcell verwendet sie, immer wieder wiederholt (ein Ostinatobass oder Ground), unter Didos Tod. Hier ist das Muster, wie es bei vielen Komponisten vorkommt (ein Demonstrationsbeispiel):

M:3/4
L:1/4
Q:1/4=60
K:Gm clef=bass
G,3 | ^F,3 | =F,3 | =E,3 | _E,3 | D,3 |]

Frankreich und England

In Frankreich wurde ein Florentiner, der als Jugendlicher nach Paris gekommen war, Jean-Baptiste Lully (1632–1687), zum Herrn über die Musik Ludwigs XIV. 1672 erhielt er das Privileg der Académie royale de musique (der Pariser Oper) und schuf mit dem Dichter Philippe Quinault die Tragédie en musique, die dem Tanz, den Chören und einem an der französischen Deklamation geschulten Rezitativ viel Raum gibt. Er prägte auch die französische Ouvertüre: ein langsamer, majestätischer Teil in punktierten Rhythmen, dann ein schneller Teil. Sein Tod wurde berühmt: Beim Dirigieren eines Te Deum stieß er sich mit dem schweren Stab, mit dem er den Takt schlug, in den Fuß, und die Wunde entzündete sich.

In England schrieb Henry Purcell (1659–1695) Ende der 1680er-Jahre Dido and Aeneas, eine kurze Oper, deren Schlussarie When I am laid in earth auf einem chromatischen Ostinatobass ruht. Später, im 18. Jahrhundert, erneuerte Rameau die französische Oper, und die Rivalität mit dem italienischen Geschmack brach im Buffonistenstreit (1752) aus.

Worauf du hören solltest

• Eine Solostimme im Vordergrund, sehr ausdrucksvoll, im Wechsel zwischen Deklamation (Rezitativ) und Melodie (Arie).
• Ein Basso continuo: ein Cembalo, eine Orgel oder eine Laute, die Akkorde über einem durchgehend gespielten Bass ausführen.
• Affekte: Jede Arie malt eine Leidenschaft, oft eine einzige vom Anfang bis zum Ende.
• Verzierungen, von den Sängern improvisiert, besonders in den Wiederholungen.

Hören

• Monteverdi: L’Orfeo, die einleitende Toccata und die Arie Possente spirto.
• Purcell: Dido and Aeneas, die Arie When I am laid in earth.
• Lully: die Ouvertüre und ein Tanz aus Armide (1686).
• Rameau: Les Indes galantes (1735).