Tänze, Lauten und Madrigale

Die Renaissance sang nicht nur in der Kirche. In Schlössern, Kaufmannshäusern und Wirtshäusern wurde getanzt, Laute gespielt und mehrstimmig um einen Tisch herum gesungen. In dieser Zeit errangen auch die Instrumente ihre Unabhängigkeit: Zum ersten Mal wurde Musik, die nur für sie geschrieben war, in großer Zahl veröffentlicht.

Eine Instrumentenfamilie für jede Lage

Die Instrumentenbauer der Renaissance bauten Instrumente in vollständigen Familien, von sehr hoch bis tief, wie einen Chor: Blockflöten, Gamben, Krummhörner, Schalmeien … Man spielte im Consort, einem kleinen Ensemble, entweder aus einer Familie oder aus gemischten Instrumenten. Für draußen und für Zeremonien gab es laute Instrumente (Schalmeien, Sackbuts, die Vorfahren der Posaune); für die Kammer leise (Laute, Gamben, Blockflöten).

Die Laute, Königin der Instrumente

Die Laute mit ihrem gewölbten, birnenförmigen Korpus und dem abgeknickten Hals war das Lieblingsinstrument von Liebhabern und Virtuosen gleichermaßen. Ihre Musik wurde nicht auf Notenlinien geschrieben, sondern in Tabulatur: Linien stehen für die Saiten, Zahlen oder Buchstaben zeigen die Bünde. Das ist genau das Prinzip der heutigen Gitarrentabulatur! In Italien wurde Francesco da Milano als wundersamer Lautenist gefeiert; in England schrieb John Dowland (1563–1626) Lieder und Stücke von erlesener Melancholie, wie Flow, my tears und seine Lachrimae.

In Spanien bevorzugte man die gitarrenförmige Vihuela. 1536 veröffentlichte Luis de Milán El Maestro, das erste gedruckte Buch für dieses Instrument, und 1546 druckte Alonso Mudarra die ältesten bekannten Stücke für Gitarre, die damals vier Chöre (Saitenpaare) hatte.

Das Zeitalter der Tänze

Renaissancetänze treten oft paarweise auf: ein langsamer, würdevoller Tanz im geraden Takt, gefolgt von einem lebhaften im Dreiertakt, manchmal mit derselben Melodie in verwandelter Gestalt.

• Pavane: langsam und majestätisch, ein Umzug, bei dem man gesehen werden will.
• Galliarde: lebhaft, im Dreiertakt, voller Sprünge.
• Branle: ein Ketten- oder Kreistanz für alle, mit unzähligen regionalen Varianten.
• Allemande, Courante, Volta … einige von ihnen gingen in die barocke Suite ein.

Verleger gaben Tanzsammlungen für Ensemble heraus, etwa Tielman Susato in Antwerpen (1551). 1589 veröffentlichte der Kanoniker Jehan Tabourot aus Langres unter dem Anagramm-Pseudonym Thoinot Arbeau die Orchésographie, ein Handbuch, das die Schritte jedes Tanzes mit seiner Melodie beschreibt. Einer seiner Branles wurde im 20. Jahrhundert zum englischen Weihnachtslied Ding Dong Merrily on High:

M:4/4
L:1/4
Q:1/4=100
K:G
G G A/G/ F/E/ | D3 D | E G G F | G2 G2 |
G G A/G/ F/E/ | D3 D | E G G F | G2 G2 |]

Und hier ist der Anfang von Greensleeves, einer englischen Melodie, die seit 1580 belegt ist (trotz einer hartnäckigen Legende stammt sie nicht von Heinrich VIII.). Achte auf den wiegenden Dreiertakt und die modale Färbung, erst mit G, dann mit Gis:

M:6/8
L:1/8
Q:3/8=56
K:Am
A | c2 d e3/2f/ e | d2 B G3/2A/ B | c2 A A3/2^G/ A | B2 ^G E2 |]

Chanson und Madrigal: die Worte malen

In Frankreich ist die mehrstimmige Chanson lebhaft, oft erzählend oder schelmisch. Clément Janequin wurde mit beschreibenden Stücken berühmt wie La Guerre (über die Schlacht von Marignano), in der die Stimmen Trompeten, Schreie und Kanonendonner nachahmen.

In Italien vertonte das Madrigal große Dichtung (Petrarca, später Tasso und Guarini) für vier bis sechs Stimmen. Sein Prinzip: den Sinn der Worte hörbar zu machen. Eine Phrase über den Himmel steigt hoch hinauf, ein Seufzer wird von einer Pause unterbrochen, Schmerz wird durch eine Dissonanz ausgedrückt. Man nennt das Wortausdeutung (Madrigalismus). Die Madrigalisten suchten immer kühnere Effekte: Carlo Gesualdo baute verblüffende chromatische Fortschreitungen ein.

Der größte Madrigalist war Claudio Monteverdi, der zu Lebzeiten acht Madrigalbücher veröffentlichte. Um 1600 kritisierte ein Theoretiker, Giovanni Maria Artusi, öffentlich seine allzu freien Dissonanzen. Monteverdi antwortete, er folge einer „zweiten Praxis“ („seconda pratica“), in der der Text die Musik beherrscht und Freiheiten rechtfertigt, die die alten Regeln verboten. Diese Debatte öffnete die Tür zum Barock und zur Oper.

In England kam die Madrigalbegeisterung am Ende des Jahrhunderts an, mit Thomas Morley und Thomas Weelkes: oft leichte Stücke voller fröhlicher „Fa-la-las“.

Worauf du hören solltest

• Deutliche Tanzpulse in Zweier- oder Dreiergruppen und regelmäßige Phrasen.
• Die Klangfarben alter Instrumente: der dünne, näselnde Klang der Schalmeien, der samtige der Gamben, das zarte Korn der Laute.
• Im Madrigal eine Musik, die mit jeder Zeile ihren Charakter ändert, um dem Text zu folgen.

Hören

• Tielman Susato: Tänze aus der Danserye (1551).
• John Dowland: Flow, my tears; eine Lachrimae-Pavane für Gambenconsort.
• Clément Janequin: La Guerre.
• Monteverdi: ein Madrigal aus dem vierten oder fünften Buch, zum Beispiel Cruda Amarilli.