Styl klasyczny: jasność i równowaga

W połowie XVIII wieku Europa przeżywała oświecenie. Filozofowie wysławiali rozum, naturę i prostotę; wszystko, co skomplikowane lub sztuczne, budziło podejrzliwość. Muzyka poszła w tym samym kierunku: zamiast uczonych fug i bujnych ozdobników baroku nowe pokolenie wolało muzykę naturalną, elegancką, zrozumiałą dla amatora od pierwszego słuchania. Ten okres nazwano później klasycyzmem (mniej więcej 1750–1820), a jego trzech wielkich twórców, Haydna, Mozarta i Beethovena, „klasykami wiedeńskimi”.

Od stylu galant do stylu klasycznego

Zmiana zaczęła się już w latach 20. i 30. XVIII wieku wraz ze stylem galant: przyjemne melodie, lekki akompaniament, krótkie frazy. Pojawia się on u Włochów (Pergolesi, Sammartini) i u synów Bacha, zwłaszcza u Johanna Christiana, osiadłego w Londynie, którego mały Mozart poznał i podziwiał. Carl Philipp Emanuel Bach dodał do niego szczyptę emocji, niespodzianek i nagłych kontrastów: to Empfindsamkeit, „styl wrażliwy”.

Melodia i akompaniament

Skończyła się równorzędność głosów: melodia wysunęła się na pierwszy plan, na górę, a cała reszta jej towarzyszyła. Bas nie biegł już bez przerwy; zatrzymywał się na kilku dźwiękach, a akordy rozkładano w regularnym wzorze w lewej ręce albo w smyczkach. Continuo stopniowo zanikło: kompozytor zapisywał teraz każdy dźwięk.

Frazy stały się regularne i symetryczne, często czterotaktowe: pierwsza fraza zadaje „pytanie”, które zawisa w napięciu, druga „odpowiada” na nie zakończeniem. Posłuchaj tej francuskiej melodii, bardzo modnej w XVIII wieku, na temat której Mozart napisał dwanaście wariacji (w krajach anglojęzycznych znanej jako Twinkle, Twinkle, Little Star). Pierwsze cztery takty zatrzymują się w zawieszeniu na G; kolejne cztery kończą się na C:

M:4/4
L:1/4
Q:1/4=100
K:C
"^question"C C G G | A A G2 | "^answer"F F E E | D D C2 |]

Forma sonatowa

Jak zbudować długie dzieło bez fugi i bez tekstu? Klasycy rozwinęli architekturę, która przez ponad sto lat miała dominować w muzyce instrumentalnej: formę sonatową.

1. Ekspozycja: pierwszy temat w tonacji głównej, potem, po łączniku, drugi temat o innym charakterze w tonacji pokrewnej (często dominanty).
2. Przetworzenie: tematy zostają rozbite, przekształcone, przeprowadzone przez odległe tonacje. To moment napięcia i dramatu.
3. Repryza: oba tematy powracają, tym razem oba w tonacji głównej. Konflikt zostaje rozwiązany.

Ta forma jest prawdziwą opowieścią: postacie zostają przedstawione, skonfrontowane, a historia dobiega końca. Znajdziemy ją w pierwszej części niemal każdej sonaty, symfonii, kwartetu i koncertu tej epoki.

Wielkie gatunki

• Symfonia: wielkie dzieło na orkiestrę, zwykle w czterech częściach (szybka, w formie sonatowej; wolna; menuet z triem; szybki finał).
• Kwartet smyczkowy (dwoje skrzypiec, altówka, wiolonczela): „czterech rozsądnych ludzi, którzy rozmawiają”, jak głosi zdanie często przypisywane Goethemu. To najbardziej wyrafinowany gatunek muzyki kameralnej.
• Sonata na fortepian solo albo na fortepian i skrzypce: chleb powszedni amatorów.
• Koncert na instrument solowy, który zachowuje trzy części z baroku, ale przyjmuje formę sonatową.

Orkiestra i koncert publiczny

Orkiestra się ustabilizowała: trzon smyczków, instrumenty dęte drewniane i rogi parami, czasem trąbki i kotły; swoje miejsce znalazł nowy instrument, klarnet. W Mannheimie orkiestra elektora, kierowana przez Johanna Stamitza, zadziwiała Europę dyscypliną i efektami, zwłaszcza zespołowym crescendo, stopniowym narastaniem głośności, które — jak głosi opowieść — podrywało słuchaczy z miejsc.

Przede wszystkim jednak muzyka wyszła z pałaców. Organizowano publiczne, biletowane koncerty: Concert Spirituel w Paryżu (od 1725 roku), koncerty Johanna Christiana Bacha i Carla Friedricha Abla w Londynie. Publiczność złożona z mieszczańskich amatorów kupowała nuty i grała w domu, a fortepian (fortepiano), zdolny do zmian dynamiki samym uderzeniem, stopniowo wypierał klawesyn z salonów. Lekcja Klasycyzm (ok. 1750–1820) w ostatnim rozdziale pokazuje, jak grać ten repertuar na fortepianie.

W operze Gluck przeprowadził „reformę” (Orfeusz i Eurydyka, Wiedeń, 1762): mniej wirtuozerii dla niej samej, więcej prawdy dramatycznej i prostoty.

Czego słuchać

• Wyraźna melodia nad lekkim akompaniamentem.
• Symetryczne frazy, często po cztery lub osiem taktów, z wyraźnymi kadencjami.
• Stopniowa dynamika: crescenda, diminuenda, nagłe akcenty (sforzando).
• Prosta harmonia, skupiona wokół toniki i dominanty, oraz zmiany charakteru w obrębie jednej części.

Posłuchaj

• Carl Philipp Emanuel Bach: sonata klawesynowa lub symfonia smyczkowa.
• Johann Christian Bach: koncert klawesynowy.
• Gluck: Orfeusz i Eurydyka, „Taniec błogosławionych duchów”.
• Haydn: kwartet z op. 76; Mozart: Sonata fortepianowa KV 545.