舞曲、鲁特琴与牧歌 – 免费音乐史课程

文艺复兴时期的人们不只在教堂里歌唱。在城堡、商人的宅邸和小酒馆里，人们跳舞、弹鲁特琴、围着桌子分声部唱歌。也正是在这个时期，乐器赢得了独立：第一次有大量专为乐器而写的音乐出版。

每个音区都有的乐器家族

文艺复兴时期的制琴师把乐器做成完整的家族，从极高音到低音，就像一个合唱团：竖笛、维奥尔琴、克鲁姆管、肖姆管……人们在合奏团（consort）里演奏，这是一种小型乐队，可以由同一家族组成，也可以混合不同乐器。户外和典礼上用响亮的乐器（肖姆管、萨克布特号，即长号的祖先）；室内则用柔和的乐器（鲁特琴、维奥尔琴、竖笛）。

鲁特琴，乐器之王

鲁特琴有半个梨形的圆背琴身和向后弯折的琴头，是业余爱好者和演奏名家都最喜爱的乐器。它的音乐不是写在五线谱上，而是写成指法谱（tablature）：横线代表琴弦，数字或字母表示品位。这正是今天吉他六线谱的原理！在意大利，弗朗切斯科·达·米兰诺以非凡的鲁特琴技艺闻名；在英国，约翰·道兰（1563–1626）写下了充满精致忧郁的歌曲和乐曲，比如 Flow, my tears 和他的 Lachrimae（《泪》）。

在西班牙，人们更喜欢形似吉他的比维拉琴（vihuela）。1536年，路易斯·德·米兰出版了《El Maestro》，这是第一部为这件乐器印刷的曲集；1546年，阿隆索·穆达拉印行了已知最早的吉他作品，当时的吉他只有四组（成对的）琴弦。

舞曲的时代

文艺复兴的舞曲常常成对出现：一首缓慢庄重的二拍子舞曲，后面跟着一首活泼的三拍子舞曲，有时会把同一个曲调变形后再用一次。

帕凡舞曲：缓慢而庄严，一种供人展示风采的行进。
加亚尔德舞曲：活泼，三拍子，充满跳跃。
布朗舞曲：人人都能跳的链形或圆圈舞，地方变体数不胜数。
阿勒曼德、库朗特、沃尔塔……其中一些后来进入了巴洛克组曲。

出版商印行合奏舞曲集，比如安特卫普的蒂尔曼·苏萨托（1551年）。1589年，朗格勒的教士让·塔布罗以变位笔名图瓦诺·阿尔博出版了《Orchésographie》（《舞蹈图解》），这是一本描述每种舞蹈舞步并附有曲调的手册。其中一首布朗舞曲在20世纪变成了英国圣诞颂歌 Ding Dong Merrily on High：

M:4/4
L:1/4
Q:1/4=100
K:G
G G A/G/ F/E/ | D3 D | E G G F | G2 G2 |
G G A/G/ F/E/ | D3 D | E G G F | G2 G2 |]

下面是 Greensleeves（《绿袖子》）的开头，这是一首有1580年文献记载的英国曲调（尽管有个流传甚广的传说，它并不是亨利八世写的）。注意它轻快摇曳的三拍子和调式色彩，先是还原G，然后是升G：

M:6/8
L:1/8
Q:3/8=56
K:Am
A | c2 d e3/2f/ e | d2 B G3/2A/ B | c2 A A3/2^G/ A | B2 ^G E2 |]

尚松与牧歌：用音乐描绘歌词

在法国，复调尚松活泼生动，常常带有叙事性或调皮的意味。克莱芒·雅内坎以描绘性作品闻名，比如 La Guerre（《战争》，描写马里尼亚诺战役），其中人声模仿号角、喊杀声和炮声。

在意大利，牧歌（madrigal）为伟大的诗歌（彼特拉克，后来还有塔索和瓜里尼）谱写四到六个声部。它的原则是：让你听见歌词的意义。写到天空的乐句向上攀升，一声叹息被休止符打断，痛苦用不协和音来表达。这叫做音画（word painting）。牧歌作曲家追求越来越大胆的效果：卡洛·杰苏阿尔多在作品中加入了令人困惑的半音化进行。

最伟大的牧歌作曲家是克劳迪奥·蒙特威尔第，他生前出版了八卷牧歌集。1600年前后，理论家乔瓦尼·马利亚·阿尔图西公开批评他的不协和音过于随意。蒙特威尔第回应说，他遵循的是一种“第二实践”，在这种实践中歌词主宰音乐，并为旧规则所禁止的种种自由提供了正当理由。这场争论为巴洛克和歌剧打开了大门。

牧歌热潮在16世纪末传到英国，代表人物有托马斯·莫利和托马斯·威尔克斯：多为轻快的作品，充满欢快的“fa-la-la”。

听什么

清晰的舞曲律动，二拍或三拍，乐句方整。
古乐器的音色：肖姆管细而带鼻音的声音，维奥尔琴天鹅绒般的音质，鲁特琴细腻的颗粒感。
在牧歌中，音乐随着每一行诗改变性格，紧随歌词。

聆听

蒂尔曼·苏萨托：Danserye（1551）中的舞曲。
约翰·道兰：Flow, my tears；一首维奥尔琴合奏的 Lachrimae 帕凡舞曲。
克莱芒·雅内坎：La Guerre。
蒙特威尔第：第四或第五卷中的一首牧歌，例如 Cruda Amarilli。