电影音乐

电影从来就不是无声的。从19世纪末电影诞生的最初几年起，音乐就伴随着画面：用来掩盖放映机和观众的噪音，而且很快就用来营造情绪。一个多世纪以来，电影音乐已成为世界上被聆听最多的音乐体裁之一，而观众常常并没有意识到这一点。

“无声”时代（1895–1927）

在影院里，一位钢琴师、管风琴师或一支乐队在放映时现场演奏。他们即兴演奏，或者从按情绪分类的曲集中取材：追逐、温情、暴风雨、神秘。这些曲集里有大量古典音乐：《威廉·退尔》序曲用于策马奔驰，婚礼进行曲用于婚礼。1908年，卡米尔·圣-桑为《吉斯公爵遇刺记》写了最早的原创配乐之一；1924年，埃里克·萨蒂为勒内·克莱尔的短片《幕间休息》作曲。查理·卓别林后来为自己的电影作曲。

有声电影与好莱坞的黄金时代

1927年，《爵士歌手》出现了同步的歌声和对白：电影开始说话了，从此音乐就录在胶片上。在好莱坞，受过欧洲训练的作曲家，如马克斯·斯坦纳（《金刚》，1933）和埃里希·沃尔夫冈·科恩戈尔德（《侠盗罗宾汉》，1938），创造了宏大的好莱坞交响风格。他们的榜样是瓦格纳的歌剧，尤其是他最喜爱的手段：主导动机，一个与人物、地点或观念相联系的主题，随着故事的展开而反复出现、不断变形。

电影里也常常能听到瓦格纳本人的音乐。歌剧《女武神》（1856年完成）中的女武神动机，因《现代启示录》（1979）而为新的观众所熟知，它展示了主导动机的力量：跳跃的节奏，上行的琶音，一听就能认出来。

M:9/8
L:1/16
Q:3/8=60
K:Am
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在苏联，普罗科菲耶夫与导演爱森斯坦合作（《亚历山大·涅夫斯基》，1938）。在美国，伯纳德·赫尔曼创造了新的声音，从《公民凯恩》（1941）到《惊魂记》（1960），后者的配乐只用弦乐。

风格多样化（1950年以后）

1950年以后，电影音乐向爵士、歌曲和现代音乐敞开了大门。在意大利，尼诺·罗塔与费里尼合作，后来写了《教父》（1972）；埃尼奥·莫里康内用口哨、电吉他、钟声和合唱革新了塞尔吉奥·莱昂内的西部片（《荒野大镖客》，1964）。在法国，米歇尔·勒格朗写了《瑟堡的雨伞》（1964），一部从头唱到尾的电影。1975年和1977年，约翰·威廉姆斯（《大白鲨》、《星球大战》）让大型交响乐团和瓦格纳式的主导动机重获新生。20世纪80年代，合成器登场（范吉利斯，《烈火战车》，1981）；如今，汉斯·季默等作曲家把管弦乐、电子音乐和声音设计融为一体。

电影音乐是怎样起作用的？

• 主导动机：为一个人物或一个观念而写的主题，变形后反复出现。
• 氛围：一片弦乐铺底、一个低沉的持续音或一件不寻常的乐器，就足以营造恐惧、怀旧或神秘的气氛。
• 同步：音乐强调一个动作、一个剪辑、一个眼神。当它像动画片那样精确地模仿银幕上的动作时，就叫做米老鼠式配乐（mickey-mousing）。
• 画内或画外：音乐可以被剧中人物听到（场景中的乐队、收音机），也可以只有观众能听到。
• 借用：电影常常重复使用古典音乐。在《2001太空漫游》（1968）中，斯坦利·库布里克让宇宙飞船随着小约翰·施特劳斯的《蓝色多瑙河》起舞；迪士尼的《幻想曲》（1940）把巴赫、杜卡和斯特拉文斯基的音乐化成了画面。

聆听清单

• 一部现场钢琴伴奏的无声电影，在你附近的电影音乐会上。
• 科恩戈尔德，《侠盗罗宾汉》；赫尔曼，《惊魂记》；莫里康内，《西部往事》。
• 威廉姆斯，《星球大战》：找出每个人物的主导动机。