Depois de 1945: serialismo, novos sons, minimalismo

Em 1945, a Europa saiu em ruínas da Segunda Guerra Mundial. Para muitos jovens compositores, era preciso reconstruir tudo, inclusive a linguagem musical, sem dever nada a um passado que levara à catástrofe. As décadas seguintes viram nascer ideias radicalmente novas e muitas vezes contraditórias: controlar todos os parâmetros do som ou, ao contrário, entregar-se ao acaso; compor com máquinas ou voltar a uma pulsação simples e repetida.

O serialismo integral

A partir de 1946, os cursos de verão de Darmstadt, na Alemanha, tornaram-se o ponto de encontro da vanguarda. Os jovens Pierre Boulez (1925–2016) e Karlheinz Stockhausen (1928–2007) ampliaram a série de Schoenberg e a aplicaram não só às alturas, mas também às durações, às dinâmicas e aos ataques: foi o serialismo integral. O professor deles, Olivier Messiaen (1908–1992), tinha aberto o caminho com os seus próprios modos e ritmos, e passava horas anotando o canto dos pássaros. O resultado muitas vezes soa como uma constelação de pontos sonoros, imprevisível ao ouvido.

Sons que nunca tinham existido

Em 1948, na rádio francesa, o engenheiro Pierre Schaeffer compôs com ruídos gravados (trens, panelas): foi a música concreta. Com Pierre Henry, ele levou a experiência adiante; em Colônia, na década de 1950, Stockhausen construiu sons puramente eletrônicos. Mais tarde, o computador permitiu analisar e transformar o som por dentro. Em 1977, o IRCAM abriu em Paris sob a direção de Boulez, um instituto onde pesquisadores e compositores trabalham juntos. Na década de 1970, os compositores “espectrais” (Gérard Grisey, Tristan Murail) construíram a sua música a partir da análise dos harmônicos de um som.

O acaso e o silêncio

Nos Estados Unidos, John Cage (1912–1992) tomou o caminho oposto ao do controle total. Fazia as suas escolhas de composição por operações de acaso, inventou o piano preparado (parafusos e borrachas inseridos entre as cordas) e, em 1952, apresentou 4′33″: um pianista permanece em silêncio, e a música é o som da sala. Na Europa, György Ligeti (com as suas nuvens sonoras, como Atmosphères, usada no filme 2001: Uma Odisseia no Espaço) e Iannis Xenakis (que compunha com a ajuda da matemática) exploraram massas sonoras em vez de melodias.

O minimalismo: a volta da pulsação

No início da década de 1960, em Nova York e na Califórnia, jovens músicos se cansaram de uma vanguarda que achavam abstrata. Inspirados pela música indiana, pelos tambores da África Ocidental, pelo gamelão e pelo jazz, voltaram a uma pulsação regular, a acordes consonantes e à repetição de padrões curtos que mudam muito devagar. Em 1964, In C, de Terry Riley, deu a cada músico 53 padrões curtos para repetir livremente.

Steve Reich (nascido em 1936) descobriu a defasagem (phasing) com dois gravadores que tocavam o mesmo loop em velocidades ligeiramente diferentes: as duas cópias se afastam pouco a pouco, criando novos padrões. Depois transpôs o processo para os instrumentos e passou a obras maiores, como Music for 18 Musicians (1976). Philip Glass (nascido em 1937) constrói as suas peças sobre arpejos repetidos que crescem ou diminuem uma nota de cada vez; a sua ópera Einstein on the Beach (1976), criada com o diretor Robert Wilson, dura quase cinco horas.

Eis o princípio da defasagem num exemplo inventado (não é uma citação): duas vozes tocam o mesmo padrão de seis notas; a partir do terceiro compasso, a segunda voz “escorregou” uma colcheia.

M:3/4
L:1/8
Q:1/4=126
%%staves {V1 V2}
V:V1 clef=treble
V:V2 clef=treble
K:Em
[V:V1] E A B e d B | E A B e d B | E A B e d B | E A B e d B |]
[V:V2] E A B e d B | E A B e d B | A B e d B E | A B e d B E |]

Pärt e a música de hoje

O estoniano Arvo Pärt (nascido em 1935), depois de escrever obras seriais, ficou em silêncio por vários anos e estudou o canto gregoriano e a polifonia antiga. Por volta de 1976, encontrou um estilo que ele chama de tintinnabuli (“sininhos”): uma voz se move por graus conjuntos enquanto outra toca apenas as notas de uma tríade, como um sino que ressoa. Eis o princípio num exemplo escrito para esta lição: a voz superior usa apenas as notas do acorde de Lá menor (Lá, Dó, Mi) mais próximas acima da melodia.

M:4/4
L:1/4
Q:1/4=60
%%staves {Tv Mv}
V:Tv clef=treble
V:Mv clef=treble
K:Am
[V:Tv] C C E E | A E E C | C4 |]
[V:Mv] A, B, C D | E D C B, | A,4 |]

Hoje, a música erudita é mais diversa do que nunca: John Adams escreve óperas sobre fatos da atualidade, outros misturam orquestra e eletrônica, músicas do mundo, jazz ou música de cinema. Já não há uma “escola” dominante, mas uma multidão de caminhos.

O que escutar

• O serialismo: notas isoladas em todos os registros, dinâmicas que mudam a cada som, nenhuma pulsação perceptível.
• A música concreta ou eletrônica: sons gravados ou sintetizados, muitas vezes difundidos por alto-falantes.
• O minimalismo: uma pulsação regular, padrões repetidos, mudanças muito graduais que criam uma sensação hipnótica.
• O tintinnabuli: grande lentidão, acordes consonantes, silêncios, um clima meditativo.

Lista de audição

• Messiaen: Quarteto para o fim do tempo (1941), Turangalîla-Symphonie.
• Reich: Music for 18 Musicians; Glass: Glassworks; Riley: In C.
• Pärt: Für Alina, Spiegel im Spiegel, Fratres.
• Ligeti: Atmosphères; Cage: Sonatas and Interludes para piano preparado.