O nascimento da ópera e do baixo contínuo

Por volta de 1600, algo virou. Depois de dois séculos de polifonia com todas as vozes iguais, músicos italianos quiseram que uma única voz cantasse, bem em primeiro plano, exprimindo as paixões de um personagem — alegria, raiva, desespero — como, acreditavam eles, faziam os atores da tragédia grega. Em poucos anos, essa ideia deu origem a um gênero, a ópera, e a uma técnica de acompanhamento que reinaria durante um século e meio, o baixo contínuo.

Florença: eruditos sonham com o drama antigo

Nas décadas de 1570 e 1580, eruditos, poetas e músicos se reuniam na casa do conde Giovanni de' Bardi, em Florença: são conhecidos como a Camerata Florentina. Entre eles estava Vincenzo Galilei, alaudista, teórico (e pai do astrônomo Galileu). Eles reclamavam que a polifonia afogava as palavras sob vozes entrelaçadas. A solução deles: a monodia acompanhada, uma voz solista que declama o texto com flexibilidade, apoiada por alguns acordes.

Em 1600, em Florença, para as festas do casamento de Maria de Médici com o rei Henrique IV da França, Jacopo Peri encenou Euridice, inteiramente cantada: a mais antiga ópera cuja música se conservou. Sete anos depois, na corte de Mântua, Claudio Monteverdi apresentou L'Orfeo (1607). Monteverdi pôs nela todo o seu ofício de madrigalista: uma orquestra variada, coros, danças, árias, momentos em que o canto de Orfeu se torna súplica. É a primeira obra-prima do gênero, e ainda é encenada.

Recitativo e ária

A ópera logo se organizou em torno de duas maneiras de cantar:

• o recitativo, próximo da fala, que faz a ação avançar: o cantor segue o ritmo natural das palavras sobre um acompanhamento esparso;
• a ária, em que a ação para para que um personagem exprima um sentimento, sobre uma verdadeira melodia, muitas vezes com repetições. Mais tarde, a ária da capo (A-B-A) virou a norma, e o cantor ornamentava livremente o retorno.

Em 1637, Veneza abriu o primeiro teatro de ópera público, o San Cassiano: agora qualquer um podia comprar um ingresso. A ópera saiu das festas principescas para se tornar um espetáculo da moda, e Veneza logo teve vários teatros. Monteverdi, agora veneziano, escreveu ali A Coroação de Popeia (c. 1643). As maiores estrelas da ópera barroca eram os castrati, cantores de voz aguda e potente admirados pelo seu virtuosismo, como Farinelli no século XVIII.

O baixo contínuo, o motor do Barroco

Sob a voz solista, é preciso harmonia. O compositor escreve apenas a linha do baixo, às vezes com pequenos números que indicam os acordes (baixo cifrado). Um ou mais músicos a realizam improvisando: um cravo ou um órgão, um alaúde, uma tiorba (um grande alaúde de braço longo) ou uma guitarra para os acordes, e muitas vezes um violoncelo, uma viola da gamba ou um fagote para reforçar o baixo. Essa equipe, que toca “continuamente” do começo ao fim, se chama contínuo. Ela está presente em quase toda a música de 1600 a 1750: óperas, cantatas, sonatas, concertos.

O contínuo faz com que a música barroca seja pensada de baixo para cima: um baixo sólido e uma melodia, com acordes no meio. É o ancestral direto das cifras do jazz e do pop, em que também se improvisa um acompanhamento a partir de símbolos.

Uma fórmula de baixo chegou a se tornar símbolo do lamento: uma descida por semitons que percorre uma quarta (de Sol a Ré, por exemplo). Purcell a usa, repetida sem parar (um baixo ostinato), sob a morte de Dido. Eis a fórmula como aparece na obra de muitos compositores (um exemplo de demonstração):

M:3/4
L:1/4
Q:1/4=60
K:Gm clef=bass
G,3 | ^F,3 | =F,3 | =E,3 | _E,3 | D,3 |]

França e Inglaterra

Na França, um florentino que chegou jovem a Paris, Jean-Baptiste Lully (1632–1687), tornou-se mestre da música de Luís XIV. Em 1672, obteve o privilégio da Académie royale de musique (a Ópera de Paris) e, com o poeta Philippe Quinault, criou a tragédie en musique, dando grande espaço à dança, aos coros e a um recitativo moldado na declamação francesa. Ele também consolidou a abertura francesa: uma seção lenta e majestosa em ritmos pontuados, depois uma seção rápida. A sua morte ficou famosa: ao reger um Te Deum, ele bateu no pé com o pesado bastão usado para marcar o tempo, e a ferida infeccionou.

Na Inglaterra, Henry Purcell (1659–1695) escreveu no fim da década de 1680 Dido and Aeneas, uma ópera curta cuja ária final, When I am laid in earth, repousa sobre um baixo ostinato cromático. Mais tarde, no século XVIII, Rameau renovou a ópera francesa, e a rivalidade com o gosto italiano explodiu na Querela dos Bufões (1752).

O que escutar

• Uma voz solista em primeiro plano, muito expressiva, alternando declamação (recitativo) e melodia (ária).
• Um baixo contínuo: um cravo, um órgão ou um alaúde que desenham acordes acima de um baixo tocado o tempo todo.
• Os afetos: cada ária pinta uma paixão, muitas vezes uma só do começo ao fim.
• Ornamentos improvisados pelos cantores, sobretudo nas repetições.

Escutar

• Monteverdi: L'Orfeo, a tocata de abertura e a ária Possente spirto.
• Purcell: Dido and Aeneas, a ária When I am laid in earth.
• Lully: a abertura e uma dança de Armide (1686).
• Rameau: Les Indes galantes (1735).