Narodziny opery i basso continuo

Około 1600 roku coś się przełamało. Po dwóch stuleciach polifonii, w której wszystkie głosy były równorzędne, włoscy muzycy zapragnęli, by śpiewał jeden głos, wysunięty na pierwszy plan, wyrażający namiętności postaci — radość, gniew, rozpacz — tak jak, ich zdaniem, czynili to aktorzy tragedii greckiej. W ciągu kilku lat z tej idei narodził się gatunek, opera, oraz technika akompaniamentu, która miała panować przez półtora wieku: basso continuo.

Florencja: uczeni marzą o antycznym dramacie

W latach 70. i 80. XVI wieku w domu hrabiego Giovanniego de’ Bardi we Florencji spotykali się uczeni, poeci i muzycy: znani są jako Camerata florencka. Należał do niej Vincenzo Galilei, lutnista, teoretyk (i ojciec astronoma Galileusza). Narzekali, że polifonia topi słowa pod splecionymi głosami. Ich rozwiązanie: monodia akompaniowana, głos solowy swobodnie deklamujący tekst, wsparty kilkoma akordami.

W 1600 roku we Florencji, podczas uroczystości ślubnych Marii Medycejskiej z królem Francji Henrykiem IV, Jacopo Peri wystawił Euridice, śpiewaną od początku do końca: najstarszą operę, której muzyka się zachowała. Siedem lat później, na dworze w Mantui, Claudio Monteverdi przedstawił Orfeusza (1607). Monteverdi włożył w niego cały swój kunszt madrygalisty: zróżnicowaną orkiestrę, chóry, tańce, arie, momenty, w których śpiew Orfeusza przechodzi w błaganie. To pierwsze arcydzieło gatunku, wystawiane do dziś.

Recytatyw i aria

Opera szybko zorganizowała się wokół dwóch sposobów śpiewu:

• recytatywu, bliskiego mowie, który posuwa akcję naprzód: śpiewak podąża za naturalnym rytmem słów nad oszczędnym akompaniamentem;
• arii, w której akcja się zatrzymuje, by postać mogła wyrazić uczucie, na prawdziwej melodii, często z powtórzeniami. Później standardem stała się aria da capo (A-B-A), w której śpiewak swobodnie ozdabia powrót.

W 1637 roku Wenecja otworzyła pierwszy publiczny teatr operowy, San Cassiano: odtąd każdy mógł kupić bilet. Opera opuściła książęce uroczystości i stała się modną rozrywką, a Wenecja wkrótce miała kilka teatrów. Monteverdi, już wenecjanin, napisał tam Koronację Poppei (ok. 1643). Największymi gwiazdami opery barokowej byli kastraci, śpiewacy o wysokich, potężnych głosach, podziwiani za wirtuozerię, jak Farinelli w XVIII wieku.

Basso continuo, motor baroku

Pod głosem solowym musi być harmonia. Kompozytor zapisuje tylko linię basu, czasem z małymi cyframi wskazującymi akordy (bas cyfrowany). Jeden lub kilku muzyków realizuje go, improwizując: klawesyn lub organy, lutnia, teorban (duża lutnia o długiej szyjce) albo gitara grają akordy, a często wiolonczela, viola da gamba lub fagot wzmacniają bas. Ten zespół, grający „nieprzerwanie” od początku do końca, nazywa się continuo. Występuje niemal w całej muzyce lat 1600–1750: w operach, kantatach, sonatach, koncertach.

Dzięki continuo muzyka barokowa jest pomyślana od dołu do góry: solidny bas i melodia, z akordami pomiędzy. To bezpośredni przodek symboli akordowych w jazzie i popie, gdzie akompaniament również improwizuje się według symboli.

Jedna formuła basowa stała się wręcz symbolem lamentu: zejście półtonami w obrębie kwarty (na przykład od G do D). Purcell używa jej, powtarzanej raz po raz (ground bass, bas ostinato), pod śmiercią Dydony. Oto ten wzór w postaci, w jakiej pojawia się u wielu kompozytorów (przykład pokazowy):

M:3/4
L:1/4
Q:1/4=60
K:Gm clef=bass
G,3 | ^F,3 | =F,3 | =E,3 | _E,3 | D,3 |]

Francja i Anglia

We Francji florentczyk, który przybył do Paryża jako młodzieniec, Jean-Baptiste Lully (1632–1687), został mistrzem muzyki Ludwika XIV. W 1672 roku uzyskał przywilej Królewskiej Akademii Muzyki (Opery Paryskiej) i wraz z poetą Philippe’em Quinault stworzył tragédie en musique, z dużą rolą tańca, chórów i recytatywu wzorowanego na francuskiej deklamacji. Ustalił też uwerturę francuską: wolna, majestatyczna część w rytmach punktowanych, potem część szybka. Jego śmierć przeszła do historii: dyrygując Te Deum, uderzył się w stopę ciężką laską służącą do wybijania taktu, a rana uległa zakażeniu.

W Anglii Henry Purcell (1659–1695) napisał pod koniec lat 80. XVII wieku Dydonę i Eneasza, krótką operę, której finałowa aria, When I am laid in earth, opiera się na chromatycznym basie ostinato. Później, w XVIII wieku, Rameau odnowił operę francuską, a rywalizacja z gustem włoskim wybuchła w sporze o buffonów (1752).

Czego słuchać

• Głos solowy na pierwszym planie, bardzo ekspresyjny, przeplatający deklamację (recytatyw) i melodię (arię).
• Basso continuo: klawesyn, organy lub lutnia rozkładające akordy nad basem grającym przez cały czas.
• Afekty: każda aria maluje jedną namiętność, często jedną i tę samą od początku do końca.
• Ozdobniki improwizowane przez śpiewaków, zwłaszcza w powtórzeniach.

Posłuchaj

• Monteverdi: Orfeusz, toccata otwierająca i aria Possente spirto.
• Purcell: Dydona i Eneasz, aria When I am laid in earth.
• Lully: uwertura i taniec z Armidy (1686).
• Rameau: Les Indes galantes (1735).