오페라와 통주저음의 탄생 – 무료 음악의 역사 강좌

1600년 무렵 무언가가 뒤집혔어요. 모든 성부가 대등한 다성 음악이 두 세기 동안 이어진 뒤, 이탈리아 음악가들은 하나의 목소리가 앞에 나서서 등장인물의 감정, 곧 기쁨과 분노와 절망을 표현하기를 바랐어요. 그리스 비극의 배우들이 그랬다고 믿었거든요. 몇 년 만에 이 생각에서 한 장르, 오페라가 태어났고, 한 세기 반 동안 군림할 반주 기법 통주저음도 생겨났어요.

피렌체: 고대 연극을 꿈꾼 학자들

1570~1580년대에 학자, 시인, 음악가들이 피렌체의 조반니 데 바르디 백작 집에 모였어요. 이들을 피렌체 카메라타라고 해요. 그 가운데에는 류트 연주자이자 이론가(그리고 천문학자 갈릴레오의 아버지)인 빈첸초 갈릴레이도 있었어요. 그들은 다성 음악이 얽힌 성부 밑에 가사를 묻어 버린다고 불평했어요. 그들의 해결책은 반주가 있는 모노디였어요. 독창 목소리가 몇 개의 화음에 받쳐 가사를 유연하게 낭송하는 거예요.

1600년 피렌체에서, 마리아 데 메디치와 프랑스 왕 앙리 4세의 결혼 축제를 위해 야코포 페리가 처음부터 끝까지 노래로 된 에우리디체를 무대에 올렸어요. 음악이 남아 있는 가장 오래된 오페라예요. 7년 뒤 만토바 궁정에서 클라우디오 몬테베르디가 오르페오(1607)를 선보였어요. 몬테베르디는 마드리갈에서 쌓은 모든 기량을 여기에 쏟았어요. 다채로운 관현악, 합창, 춤, 아리아, 오르페오의 노래가 애원으로 바뀌는 순간들까지요. 이 장르의 첫 걸작이고 지금도 공연돼요.

레치타티보와 아리아

오페라는 곧 두 가지 노래 방식을 중심으로 짜였어요.

말에 가깝고 줄거리를 진행시키는 레치타티보: 가수가 성긴 반주 위에서 말의 자연스러운 리듬을 따라가요.
등장인물이 감정을 표현하도록 줄거리가 멈추는 아리아: 진짜 선율이 있고 흔히 반복이 있어요. 나중에는 다 카포 아리아(A-B-A)가 표준이 되었고, 가수는 돌아오는 부분을 자유롭게 꾸몄어요.

1637년 베네치아에 최초의 대중 오페라 극장인 산 카시아노 극장이 문을 열었어요. 이제 누구나 표를 살 수 있었어요. 오페라는 군주의 축제를 떠나 유행하는 오락이 되었고, 베네치아에는 곧 극장이 여러 개 생겼어요. 베네치아에 자리 잡은 몬테베르디는 그곳에서 포페아의 대관(약 1643)을 썼어요. 바로크 오페라의 가장 큰 스타는 카스트라토였어요. 높고 힘찬 목소리로 기교를 뽐낸 가수들로, 18세기의 파리넬리가 그 예예요.

바로크의 엔진, 통주저음

독창 목소리 아래에는 화성이 있어야 해요. 작곡가는 베이스 선율만 적고, 때로는 화음을 나타내는 작은 숫자를 붙여요(숫자 저음). 한 명 이상의 음악가가 즉흥으로 이를 채워요. 화음은 하프시코드나 오르간, 류트, 테오르보(목이 긴 큰 류트)나 기타가 맡고, 흔히 첼로, 비올라 다 감바, 바순이 베이스를 보강해요. 처음부터 끝까지 ‘계속’ 연주하는 이 팀을 콘티누오라고 불러요. 1600년부터 1750년까지의 거의 모든 음악, 곧 오페라, 칸타타, 소나타, 협주곡에서 볼 수 있어요.

콘티누오 덕분에 바로크 음악은 아래에서 위로 구상돼요. 단단한 베이스와 선율, 그리고 그 사이의 화음이에요. 기호를 보고 반주를 즉흥으로 만드는 재즈와 팝의 코드 차트의 직계 조상이에요.

한 베이스 공식은 아예 애가의 상징이 되었어요. 반음씩 4도를 내려가는 진행이에요(예를 들어 솔에서 레까지). 퍼셀은 이것을 끝없이 되풀이하며(그라운드 베이스) 디도의 죽음 밑에 깔았어요. 많은 작곡가의 작품에 나오는 이 패턴을 들어 보세요(시연용 예제).

M:3/4
L:1/4
Q:1/4=60
K:Gm clef=bass
G,3 | ^F,3 | =F,3 | =E,3 | _E,3 | D,3 |]

프랑스와 영국

프랑스에서는 어린 나이에 파리로 온 피렌체 사람 장바티스트 륄리(1632~1687)가 루이 14세의 음악 감독이 되었어요. 1672년 그는 왕립 음악 아카데미(파리 오페라)의 특권을 얻었고, 시인 필리프 키노와 함께 음악 비극(트라제디 앙 뮈지크)을 만들었어요. 춤과 합창에 큰 자리를 주고, 프랑스어 낭송을 본뜬 레치타티보를 썼어요. 그는 프랑스 서곡도 확립했어요. 부점 리듬의 느리고 장엄한 부분, 이어서 빠른 부분이에요. 그의 죽음은 유명해졌어요. 테 데움을 지휘하다가 박자를 맞추는 무거운 지팡이로 자기 발을 찧었고, 그 상처가 곪았어요.

영국에서는 헨리 퍼셀(1659~1695)이 1680년대 말에 짧은 오페라 디도와 에네아스를 썼는데, 마지막 아리아 When I am laid in earth는 반음계 그라운드 베이스 위에 놓여 있어요. 나중에 18세기에는 라모가 프랑스 오페라를 새롭게 했고, 이탈리아 취향과의 경쟁은 부퐁 논쟁(1752)으로 터져 나왔어요.

무엇을 들어야 할까요

낭송(레치타티보)과 선율(아리아)을 오가는, 아주 표현적인 앞에 나선 독창 목소리.
통주저음: 계속 연주되는 베이스 위에서 화음을 짚는 하프시코드, 오르간, 류트.
정념(아펙트): 아리아마다 하나의 감정을 그려요. 흔히 처음부터 끝까지 한 가지 감정이에요.
특히 반복 부분에서 가수가 즉흥으로 넣는 꾸밈음.

들어 보기

몬테베르디: 오르페오, 첫 토카타와 아리아 Possente spirto.
퍼셀: 디도와 에네아스, 아리아 When I am laid in earth.
륄리: 아르미드(1686)의 서곡과 춤곡 한 곡.
라모: 우아한 인도의 나라들(1735).