Danzas, laúdes y madrigales

El Renacimiento no solo cantaba en la iglesia. En los castillos, en las casas de los mercaderes y en las tabernas, la gente bailaba, tocaba el laúd y cantaba a varias voces alrededor de una mesa. Fue también entonces cuando los instrumentos conquistaron su independencia: por primera vez se publicó en cantidad música escrita solo para ellos.

Una familia de instrumentos para cada registro

Los constructores del Renacimiento fabricaban instrumentos en familias completas, del muy agudo al grave, como un coro: flautas dulces, violas da gamba, cromornos, chirimías… Se tocaba en consort, un pequeño conjunto, ya fuera de una sola familia o mezclando instrumentos. Para el aire libre y las ceremonias, instrumentos fuertes (chirimías, sacabuches, los antepasados del trombón); para la cámara, instrumentos suaves (laúd, violas, flautas dulces).

El laúd, rey de los instrumentos

El laúd, con su caja redondeada en forma de media pera y su clavijero doblado hacia atrás, era el instrumento favorito tanto de los aficionados como de los virtuosos. Su música no se escribía en un pentagrama sino en tablatura: unas líneas representan las cuerdas, y números o letras indican los trastes. ¡Es exactamente el principio de la tablatura de guitarra actual! En Italia, Francesco da Milano era célebre como laudista prodigioso; en Inglaterra, John Dowland (1563–1626) escribió canciones y piezas de una melancolía refinada, como Flow, my tears y sus Lachrimae.

En España se prefería la vihuela, con forma de guitarra. En 1536, Luis de Milán publicó El Maestro, el primer libro impreso para el instrumento, y en 1546 Alonso Mudarra imprimió las piezas para guitarra más antiguas que se conocen, cuando esta tenía cuatro órdenes (pares) de cuerdas.

La época de las danzas

Las danzas del Renacimiento van a menudo por parejas: una danza lenta y solemne en compás binario seguida de una viva en compás ternario, a veces retomando la misma melodía transformada.

• Pavana: lenta y majestuosa, un desfile en el que dejarse ver.
• Gallarda: viva, ternaria, llena de saltos.
• Branle: una danza en cadena o en corro para todos, con innumerables variantes regionales.
• Alemanda, corrente, volta… algunas pasarían a la suite barroca.

Los editores publicaron colecciones de danzas para conjunto, como Tielman Susato en Amberes (1551). En 1589, el canónigo de Langres Jehan Tabourot, con el seudónimo anagramático de Thoinot Arbeau, publicó la Orchésographie, un manual que describe los pasos de cada danza con su melodía. Uno de sus branles se convirtió, en el siglo XX, en el villancico inglés Ding Dong Merrily on High:

M:4/4
L:1/4
Q:1/4=100
K:G
G G A/G/ F/E/ | D3 D | E G G F | G2 G2 |
G G A/G/ F/E/ | D3 D | E G G F | G2 G2 |]

Y este es el comienzo de Greensleeves, una melodía inglesa documentada desde 1580 (pese a una tenaz leyenda, no es de Enrique VIII). Fíjate en el compás ternario mecido y en el color modal, con Sol natural y luego Sol sostenido:

M:6/8
L:1/8
Q:3/8=56
K:Am
A | c2 d e3/2f/ e | d2 B G3/2A/ B | c2 A A3/2^G/ A | B2 ^G E2 |]

Chanson y madrigal: pintar las palabras

En Francia, la chanson polifónica es viva, a menudo narrativa o pícara. Clément Janequin se hizo famoso con piezas descriptivas como La Guerre (sobre la batalla de Marignano), en la que las voces imitan trompetas, gritos y cañonazos.

En Italia, el madrigal ponía música a grandes poemas (Petrarca, más tarde Tasso y Guarini) para cuatro a seis voces. Su principio: hacer oír el sentido de las palabras. Una frase sobre el cielo sube al agudo, un suspiro se corta con un silencio, el dolor se expresa con una disonancia. Esto se llama madrigalismo. Los madrigalistas buscaron efectos cada vez más audaces: Carlo Gesualdo introdujo desconcertantes progresiones cromáticas.

El mayor madrigalista fue Claudio Monteverdi, que publicó en vida ocho libros de madrigales. Hacia 1600, un teórico, Giovanni Maria Artusi, criticó públicamente sus disonancias demasiado libres. Monteverdi respondió que seguía una «segunda práctica», en la que el texto gobierna la música y justifica libertades que las antiguas reglas prohibían. Este debate abrió la puerta al Barroco y a la ópera.

En Inglaterra, la fiebre del madrigal llegó a finales de siglo, con Thomas Morley y Thomas Weelkes: piezas a menudo ligeras, llenas de alegres «fa-la-las».

Qué escuchar

• Pulsos de danza claros en dos o en tres, y frases cuadradas.
• Los timbres de los instrumentos antiguos: el sonido fino y nasal de las chirimías, el terciopelo de las violas, el delicado grano del laúd.
• En el madrigal, una música que cambia de carácter a cada verso para seguir el texto.

Escuchar

• Tielman Susato: danzas de la Danserye (1551).
• John Dowland: Flow, my tears; una pavana de las Lachrimae para consort de violas.
• Clément Janequin: La Guerre.
• Monteverdi: un madrigal del cuarto o del quinto libro, por ejemplo Cruda Amarilli.