Después de 1945: serialismo, nuevos sonidos, minimalismo

En 1945, Europa salió en ruinas de la Segunda Guerra Mundial. Para muchos compositores jóvenes había que reconstruirlo todo, también el lenguaje musical, sin deber nada a un pasado que había conducido a la catástrofe. Las décadas siguientes dieron origen a ideas radicalmente nuevas y a menudo contradictorias: controlar todos los parámetros del sonido o, al contrario, dejar actuar al azar; componer con máquinas o volver a un pulso sencillo y repetido.

El serialismo integral

Desde 1946, los cursos de verano de Darmstadt, en Alemania, se convirtieron en el punto de encuentro de la vanguardia. Los jóvenes Pierre Boulez (1925–2016) y Karlheinz Stockhausen (1928–2007) ampliaron la serie de Schönberg y la aplicaron no solo a las alturas, sino también a las duraciones, los matices y los ataques: era el serialismo integral. Su profesor Olivier Messiaen (1908–1992) había abierto el camino con sus propios modos y ritmos, y pasaba horas anotando cantos de pájaros. El resultado suena a menudo como una constelación de puntos sonoros, imprevisible para el oído.

Sonidos que nunca habían existido

En 1948, en la radio francesa, el ingeniero Pierre Schaeffer compuso con ruidos grabados (trenes, cacerolas): era la música concreta. Con Pierre Henry llevó más lejos el experimento; en Colonia, en la década de 1950, Stockhausen construyó sonidos puramente electrónicos. Más tarde, el ordenador permitió analizar y transformar el sonido desde dentro. En 1977 se inauguró en París el IRCAM, dirigido por Boulez, un instituto donde investigadores y compositores trabajan juntos. En la década de 1970, los compositores «espectrales» (Gérard Grisey, Tristan Murail) construyeron su música a partir del análisis de los armónicos de un sonido.

El azar y el silencio

En Estados Unidos, John Cage (1912–1992) adoptó la postura opuesta al control total. Tomaba sus decisiones de composición mediante operaciones de azar, inventó el piano preparado (tornillos y gomas introducidos entre las cuerdas) y en 1952 presentó 4′33″: un pianista permanece en silencio, y la música es el sonido de la sala. En Europa, György Ligeti (con sus nubes sonoras, como Atmosphères, utilizada en la película 2001: una odisea del espacio) e Iannis Xenakis (que componía con ayuda de las matemáticas) exploraron masas sonoras más que melodías.

El minimalismo: el regreso del pulso

A principios de la década de 1960, en Nueva York y California, unos jóvenes músicos se cansaron de una vanguardia que les parecía abstracta. Inspirados por la música india, los tambores de África occidental, el gamelán y el jazz, volvieron a un pulso regular, a acordes consonantes y a la repetición de patrones breves que cambian muy lentamente. En 1964, In C de Terry Riley daba a cada músico 53 patrones breves para repetir libremente.

Steve Reich (nacido en 1936) descubrió el desfase («phasing») con dos magnetófonos que reproducían el mismo bucle a velocidades muy ligeramente distintas: las dos copias se separan poco a poco y crean nuevos patrones. Luego trasladó el procedimiento a los instrumentos y pasó a obras más amplias como Music for 18 Musicians (1976). Philip Glass (nacido en 1937) construye sus piezas sobre arpegios repetidos que crecen o se reducen en una nota; su ópera Einstein on the Beach (1976), creada con el director de escena Robert Wilson, dura casi cinco horas.

Este es el principio del desfase en un ejemplo inventado (no es una cita): dos voces tocan el mismo patrón de seis notas; a partir del tercer compás, la segunda voz se ha «deslizado» una corchea.

M:3/4
L:1/8
Q:1/4=126
%%staves {V1 V2}
V:V1 clef=treble
V:V2 clef=treble
K:Em
[V:V1] E A B e d B | E A B e d B | E A B e d B | E A B e d B |]
[V:V2] E A B e d B | E A B e d B | A B e d B E | A B e d B E |]

Pärt y la música de hoy

El estonio Arvo Pärt (nacido en 1935), tras escribir obras seriales, guardó silencio durante varios años y estudió el canto gregoriano y la polifonía antigua. Hacia 1976 encontró un estilo al que llama tintinnabuli («campanillas»): una voz avanza por grados conjuntos mientras otra solo toca las notas de una tríada, como una campana que resuena. Este es el principio en un ejemplo escrito para esta lección: la voz superior solo usa las notas del acorde de La menor (La, Do, Mi) más cercanas por encima de la melodía.

M:4/4
L:1/4
Q:1/4=60
%%staves {Tv Mv}
V:Tv clef=treble
V:Mv clef=treble
K:Am
[V:Tv] C C E E | A E E C | C4 |]
[V:Mv] A, B, C D | E D C B, | A,4 |]

Hoy la música culta es más diversa que nunca: John Adams escribe óperas sobre la actualidad, otros mezclan la orquesta con la electrónica, las músicas del mundo, el jazz o la música de cine. Ya no hay una «escuela» dominante, sino una multitud de caminos.

Qué escuchar

• El serialismo: notas aisladas en todos los registros, matices que cambian con cada sonido, ningún pulso perceptible.
• La música concreta o electrónica: sonidos grabados o sintetizados, a menudo difundidos por altavoces.
• El minimalismo: un pulso regular, patrones repetidos, cambios muy graduales que crean una sensación hipnótica.
• El tintinnabuli: gran lentitud, acordes consonantes, silencios, una atmósfera meditativa.

Para escuchar

• Messiaen: Cuarteto para el fin del tiempo (1941), Turangalîla-Symphonie.
• Reich: Music for 18 Musicians; Glass: Glassworks; Riley: In C.
• Pärt: Für Alina, Spiegel im Spiegel, Fratres.
• Ligeti: Atmosphères; Cage: Sonatas and Interludes para piano preparado.