El estilo clásico: claridad y equilibrio

A mediados del siglo XVIII, Europa vivía la Ilustración. Los filósofos celebraban la razón, la naturaleza y la sencillez; todo lo complicado o artificial despertaba sospechas. La música siguió el mismo camino: en lugar de las sabias fugas y los exuberantes ornamentos del Barroco, la nueva generación prefirió una música natural y elegante que un aficionado pudiera captar a la primera escucha. Este período se llamaría más tarde el Clasicismo (aproximadamente 1750–1820), y sus tres grandes nombres, Haydn, Mozart y Beethoven, los «clásicos vieneses».

Del estilo galante al estilo clásico

El cambio empezó ya en las décadas de 1720 y 1730 con el estilo galante: melodías agradables, acompañamiento ligero, frases cortas. Aparece en los italianos (Pergolesi, Sammartini) y en los hijos de Bach, sobre todo Johann Christian, establecido en Londres, a quien el niño Mozart conoció y admiró. Carl Philipp Emanuel Bach añadió una dosis de emoción, sorpresas y contrastes repentinos: la Empfindsamkeit, el «estilo sensible».

Melodía y acompañamiento

Se acabó la igualdad de las voces: la melodía pasó a primer plano, arriba, y todo lo demás la acompañaba. El bajo ya no corría sin parar; se asentaba en unas pocas notas, y los acordes se desgranaban mediante un patrón regular en la mano izquierda o en las cuerdas. El continuo fue desapareciendo: el compositor escribía ahora todas las notas.

Las frases se volvieron regulares y simétricas, a menudo de cuatro compases: una primera frase plantea una «pregunta» que se detiene en suspenso, una segunda le «responde» con una conclusión. Escucha esta melodía francesa, muy de moda en el siglo XVIII, sobre la que Mozart escribió doce variaciones (en español se conoce como Estrellita, ¿dónde estás?). Los cuatro primeros compases se detienen en suspenso en Sol; los cuatro siguientes concluyen en Do:

M:4/4
L:1/4
Q:1/4=100
K:C
"^question"C C G G | A A G2 | "^answer"F F E E | D D C2 |]

La forma sonata

¿Cómo construir una obra larga sin fuga ni texto? Los clásicos desarrollaron una arquitectura que dominaría la música instrumental durante más de un siglo, la forma sonata:

1. Exposición: un primer tema en la tonalidad principal y luego, tras una transición, un segundo tema de carácter distinto en una tonalidad vecina (a menudo la dominante).
2. Desarrollo: los temas se fragmentan, se transforman, se llevan por tonalidades lejanas. Es el momento de la tensión y del drama.
3. Reexposición: los dos temas vuelven, esta vez ambos en la tonalidad principal. El conflicto se resuelve.

Esta forma es un verdadero relato: se presentan unos personajes, se enfrentan y la historia concluye. Se encuentra en el primer movimiento de casi todas las sonatas, sinfonías, cuartetos y conciertos de la época.

Los grandes géneros

• La sinfonía: una gran obra para orquesta, normalmente en cuatro movimientos (rápido, en forma sonata; lento; minueto y trío; final rápido).
• El cuarteto de cuerda (dos violines, viola, violonchelo): «cuatro personas razonables conversando», según una frase atribuida a menudo a Goethe. Es el género más refinado de la música de cámara.
• La sonata para piano solo, o para piano y violín: el pan de cada día de los aficionados.
• El concierto para solista, que conserva los tres movimientos del Barroco pero adopta la forma sonata.

La orquesta y el concierto público

La orquesta se estabilizó: un núcleo de cuerdas, maderas y trompas por parejas, a veces trompetas y timbales; el clarinete, instrumento nuevo, encontró su lugar. En Mannheim, la orquesta del príncipe elector, dirigida por Johann Stamitz, asombró a Europa con su disciplina y sus efectos, sobre todo el crescendo de conjunto, un aumento gradual del volumen que, según se cuenta, ponía al público en pie.

Sobre todo, la música salió de los palacios. Se organizaron conciertos públicos de pago: el Concert Spirituel en París (desde 1725), los conciertos de Johann Christian Bach y Carl Friedrich Abel en Londres. Un público de aficionados burgueses compraba partituras y tocaba en casa, y el fortepiano, capaz de matizar solo con el toque, fue sustituyendo al clave en los salones. La lección El período clásico del último capítulo muestra cómo tocar este repertorio al piano.

En la ópera, Gluck emprendió una «reforma» (Orfeo ed Euridice, Viena, 1762): menos virtuosismo gratuito, más verdad dramática y sencillez.

Qué escuchar

• Una melodía clara sobre un acompañamiento ligero.
• Frases simétricas, a menudo de cuatro u ocho compases, con cadencias nítidas.
• Matices graduales: crescendos, diminuendos, acentos repentinos (sforzando).
• Una armonía sencilla, centrada en la tónica y la dominante, y cambios de carácter dentro de un mismo movimiento.

Escuchar

• Carl Philipp Emanuel Bach: una sonata para teclado o una sinfonía para cuerdas.
• Johann Christian Bach: un concierto para teclado.
• Gluck: Orfeo ed Euridice, la «Danza de los espíritus bienaventurados».
• Haydn: un cuarteto del op. 76; Mozart: la Sonata para piano K. 545.