El nacimiento de la ópera y el bajo continuo

Hacia 1600, algo cambió de golpe. Tras dos siglos de polifonía con todas las voces iguales, los músicos italianos quisieron que una sola voz cantara, bien en primer plano, expresando las pasiones de un personaje —alegría, ira, desesperación— como, según creían, lo hacían los actores de la tragedia griega. En pocos años, esta idea dio origen a un género, la ópera, y a una técnica de acompañamiento que reinaría durante siglo y medio, el bajo continuo.

Florencia: unos eruditos sueñan con el teatro antiguo

En las décadas de 1570 y 1580, eruditos, poetas y músicos se reunían en casa del conde Giovanni de' Bardi, en Florencia: se les conoce como la Camerata florentina. Entre ellos estaba Vincenzo Galilei, laudista, teórico (y padre del astrónomo Galileo). Se quejaban de que la polifonía ahogaba las palabras bajo voces entrelazadas. Su solución: la monodia acompañada, una voz sola que declama el texto con flexibilidad, sostenida por unos pocos acordes.

En 1600, en Florencia, para las fiestas de la boda de María de Médici con el rey Enrique IV de Francia, Jacopo Peri estrenó Euridice, cantada de principio a fin: la ópera más antigua cuya música se conserva. Siete años después, en la corte de Mantua, Claudio Monteverdi presentó L'Orfeo (1607). Monteverdi volcó en ella todo su oficio de madrigalista: una orquesta variada, coros, danzas, arias, momentos en que el canto de Orfeo se convierte en súplica. Es la primera obra maestra del género, y todavía se representa.

Recitativo y aria

La ópera se organizó pronto en torno a dos maneras de cantar:

• el recitativo, cercano a la palabra hablada, que hace avanzar la acción: el cantante sigue el ritmo natural de las palabras sobre un acompañamiento escueto;
• el aria, en la que la acción se detiene para que un personaje exprese un sentimiento, sobre una verdadera melodía, a menudo con repeticiones. Más tarde se impuso el aria da capo (A-B-A), en la que el cantante adorna libremente la repetición.

En 1637, Venecia abrió el primer teatro de ópera público, el San Cassiano: desde entonces cualquiera podía comprar una entrada. La ópera abandonó las fiestas principescas para convertirse en un espectáculo de moda, y Venecia tuvo pronto varios teatros. Monteverdi, ya veneciano, escribió allí La coronación de Popea (h. 1643). Las mayores estrellas de la ópera barroca fueron los castrati, cantantes de voz aguda y potente admirados por su virtuosismo, como Farinelli en el siglo XVIII.

El bajo continuo, el motor del Barroco

Bajo la voz solista tiene que haber armonía. El compositor solo escribe la línea del bajo, a veces con pequeñas cifras que indican los acordes (bajo cifrado). Uno o varios músicos lo realizan improvisando: un clave o un órgano, un laúd, una tiorba (un gran laúd de mástil largo) o una guitarra para los acordes, y a menudo un violonchelo, una viola da gamba o un fagot para reforzar el bajo. Este equipo, que toca «continuamente» de principio a fin, se llama el continuo. Se encuentra en casi toda la música de 1600 a 1750: óperas, cantatas, sonatas, conciertos.

El continuo hace que la música barroca se piense de abajo arriba: un bajo sólido y una melodía, con acordes en medio. Es el antepasado directo de los cifrados de acordes del jazz y del pop, en los que también se improvisa un acompañamiento a partir de símbolos.

Una fórmula de bajo llegó incluso a ser símbolo del lamento: un descenso por semitonos a lo largo de una cuarta (de sol a re, por ejemplo). Purcell la utiliza, repetida una y otra vez (un basso ostinato), bajo la muerte de Dido. Este es el patrón tal como aparece en las obras de muchos compositores (un ejemplo de demostración):

M:3/4
L:1/4
Q:1/4=60
K:Gm clef=bass
G,3 | ^F,3 | =F,3 | =E,3 | _E,3 | D,3 |]

Francia e Inglaterra

En Francia, un florentino llegado a París de joven, Jean-Baptiste Lully (1632–1687), se convirtió en el amo de la música de Luis XIV. En 1672 obtuvo el privilegio de la Académie royale de musique (la Ópera de París) y, con el poeta Philippe Quinault, creó la tragédie en musique, que concedía un gran lugar a la danza, a los coros y a un recitativo calcado de la declamación francesa. También fijó la obertura francesa: una sección lenta y majestuosa en ritmos con puntillo y luego una sección rápida. Su muerte se hizo célebre: mientras dirigía un Te Deum, se golpeó el pie con el pesado bastón con el que marcaba el compás, y la herida se infectó.

En Inglaterra, Henry Purcell (1659–1695) escribió a finales de la década de 1680 Dido y Eneas, una ópera breve cuya aria final, When I am laid in earth, descansa sobre un bajo ostinato cromático. Más tarde, en el siglo XVIII, Rameau renovó la ópera francesa, y la rivalidad con el gusto italiano estalló en la Querella de los Bufones (1752).

Qué escuchar

• Una voz solista en primer plano, muy expresiva, que alterna declamación (recitativo) y melodía (aria).
• Un bajo continuo: un clave, un órgano o un laúd que desgrana acordes sobre un bajo tocado de principio a fin.
• Los afectos: cada aria pinta una pasión, a menudo una sola de principio a fin.
• Ornamentos improvisados por los cantantes, sobre todo en las repeticiones.

Escuchar

• Monteverdi: L'Orfeo, la tocata inicial y el aria Possente spirto.
• Purcell: Dido y Eneas, el aria When I am laid in earth.
• Lully: la obertura y una danza de Armide (1686).
• Rameau: Les Indes galantes (1735).