El violín, la sonata y el concierto

En el siglo XVII, la música instrumental dejó de ser una simple prima de la música vocal. Inventó sus propias formas y sus propios virtuosos, y un instrumento se convirtió en su estrella: el violín. A finales del Barroco, dos géneros puramente instrumentales dominaban Europa: la sonata y el concierto.

Cremona y la edad de oro del violín

El violín apareció en el norte de Italia en el siglo XVI, primero como instrumento de baile, considerado algo vulgar al lado de la noble viola da gamba. En la pequeña ciudad de Cremona, varias dinastías de luthiers lo perfeccionaron: la familia Amati, luego Antonio Stradivari (h. 1644–1737) y Giuseppe Guarneri «del Gesù». Sus instrumentos, de sonido potente y cantábile, figuran hoy entre los objetos más valiosos del mundo, y los solistas todavía los tocan. El violín puede cantar como una voz, saltar en pasajes rápidos y tocar varias cuerdas a la vez: se convirtió en el instrumento del virtuoso.

Corelli: la sonata y el concerto grosso

Arcangelo Corelli (1653–1713), violinista establecido en Roma, publicó poco, pero cada colección se convirtió en un modelo imitado en toda Europa:

• la sonata en trío: dos instrumentos melódicos (a menudo dos violines) y bajo continuo, es decir, tres partes (¡pero a menudo cuatro músicos!);
• la sonata para violín y continuo, con su colección op. 5 (1700);
• el concerto grosso (op. 6, publicado tras su muerte, en 1714): un pequeño grupo de solistas (el concertino) dialoga con toda la orquesta (el ripieno o tutti). El octavo, «hecho para la noche de Navidad», sigue siendo el más famoso.

Se distinguía entre la sonata da chiesa (de iglesia: movimientos lentos y rápidos, más bien serios) y la sonata da camera (de cámara: una suite de danzas). La palabra «sonata» significa simplemente «pieza sonada», tocada con instrumentos, por oposición a la «cantata», que se canta.

Vivaldi y el concierto para solista

Antonio Vivaldi (1678–1741), sacerdote y violinista veneciano apodado el «cura pelirrojo», enseñaba en el Ospedale della Pietà, una institución para niñas huérfanas o abandonadas cuya orquesta exclusivamente femenina atraía a visitantes de toda Europa. Allí escribió cientos de conciertos —se conservan más de quinientos— para violín, violonchelo, flauta, fagot, mandolina…

Vivaldi fijó la forma del concierto para solista:

• tres movimientos: rápido, lento, rápido;
• en los movimientos rápidos, la forma ritornello: la orquesta toca un tema enérgico (el ritornello), luego el solista brilla en pasajes virtuosos, la orquesta vuelve con fragmentos del ritornello en otras tonalidades, y así sucesivamente, hasta el regreso final del tema en la tonalidad principal.

Sus Cuatro estaciones, publicadas en Ámsterdam en 1725, pintan cada una una estación, acompañadas de sonetos: se oyen pájaros, una tormenta, un perro que ladra, patinadores sobre el hielo. Su colección L'estro armonico (1711) causó tal impresión que el joven Bach transcribió varios de sus conciertos para teclado y para órgano. Sin embargo, Vivaldi murió pobre en Viena, y su música cayó en gran parte en el olvido hasta su redescubrimiento en el siglo XX.

Contrastes en terrazas

El concierto barroco se construye sobre la oposición: uno contra todos, fuerte contra suave. Los matices cambian por bloques, como los peldaños de una escalera, más que mediante crescendos graduales. Una frase se toca a menudo fuerte y luego se repite suave, como un eco. Aquí tienes una pequeña demostración escrita para esta lección:

M:4/4
L:1/8
Q:1/4=100
K:D
!f!d2 A2 F2 A2 | B c d e d4 | !p!d2 A2 F2 A2 | B c d e d4 |]

El clave y la afinación de los teclados

Mientras tanto, el clave vivía su edad de oro: François Couperin y Jean-Philippe Rameau en Francia y Domenico Scarlatti en España (más de quinientas sonatas) le dieron un vasto repertorio. El clavecinista también tocaba el continuo en casi todos los conjuntos. Los músicos buscaban maneras de afinar los teclados para poder tocar en todas las tonalidades, una cuestión decisiva para lo que vendría después. La lección El período barroco del último capítulo (el piano a lo largo de la historia) trata este repertorio y cómo tocarlo al piano.

Qué escuchar

• Un ritmo motor, regular y enérgico, que avanza sin detenerse.
• Contrastes nítidos: solista contra orquesta, fuerte contra suave.
• Un ritornello que vuelve como un estribillo, en distintas tonalidades.
• El clave del continuo, que centellea detrás de las cuerdas.

Escuchar

• Corelli: Concerto grosso op. 6 n.º 8, «Concierto de Navidad».
• Vivaldi: Las cuatro estaciones; un concierto de L'estro armonico.
• Telemann, Albinoni: conciertos para oboe o trompeta.
• Bach: un Concierto de Brandeburgo (1721), para oír el concerto grosso transformado.