Die romantische Oper und die nationalen Schulen

Das 19. Jahrhundert war das große Jahrhundert der Oper. In jeder Hauptstadt war das Opernhaus der Ort, an dem man sich zeigte und sich begeisterte, wo die Modemelodien entstanden, bevor sie überall gespielt wurden, von Blaskapellen, Drehorgeln und Salonklavieren. Es war auch das Jahrhundert der Nationen: Völker, die Unabhängigkeit oder Einheit forderten, suchten in ihrer Musik den Ausdruck ihrer Identität.

Italien: die Herrschaft der Stimme

Zu Beginn des Jahrhunderts bedeutete italienische Oper Belcanto („schöner Gesang“): lange, geschmeidige Melodien, glänzende Koloraturen, Virtuosität im Dienst des Gefühls. Rossini (Der Barbier von Sevilla, 1816), Bellini (Norma, 1831) und Donizetti (Lucia di Lammermoor, 1835) waren seine Meister; Chopin verehrte Bellini, und man hört es in seinen Nocturnes.

Dann kam Giuseppe Verdi (1813–1901). Mit Nabucco (1842) feierte er seinen ersten großen Triumph; der Chor der verbannten hebräischen Sklaven, Va, pensiero, wurde später in Italien zu einem patriotischen Symbol. Vor allem suchte Verdi dramatische Wahrheit: starke Figuren, brennende Konflikte, direkte und unvergessliche Melodien. Rigoletto (1851), Il trovatore und La traviata (1853), Aida (1871 in Kairo uraufgeführt), dann im Alter Otello (1887) und die Komödie Falstaff (1893) prägen eine Laufbahn von mehr als einem halben Jahrhundert. Als er 1901 starb, trauerte ganz Italien um ihn.

Wagner: Die Oper wird zum Drama

Im selben Jahr wie Verdi geboren, wollte Richard Wagner (1813–1883) etwas völlig anderes. Für ihn sollte die Oper ein Gesamtkunstwerk sein, in dem Dichtung, Musik, Inszenierung und Schauspiel eins sind. Er schrieb seine Libretti selbst, oft nach germanischen Mythen, und gab die Abfolge von Arien und Rezitativen zugunsten einer durchgehenden, vom Orchester getragenen Musik auf.

Sein Hauptwerkzeug ist das Leitmotiv: ein kurzes musikalisches Motiv, das mit einer Figur, einem Gegenstand oder einer Idee verbunden ist (der Ring, das Schwert, das Schicksal …), das wiederkehrt, sich verwandelt und mit anderen verbindet, sodass das Orchester erzählen kann, was die Figuren nicht wissen oder nicht sagen wollen. Die Filmmusik sollte diese Technik direkt übernehmen.

Sein Ring des Nibelungen umfasst vier Opern und rund fünfzehn Stunden Musik. Um ihn so aufführen zu lassen, wie er es wollte, ließ Wagner mit Hilfe König Ludwigs II. von Bayern in Bayreuth sein eigenes Theater bauen, mit einem unter der Bühne verborgenen Orchester; dort wurde 1876 der vollständige Zyklus uraufgeführt. In Tristan und Isolde (1865) öffnete seine chromatische Harmonik, die sich nie aufzulösen scheint, den Weg zu aller modernen Musik. Sein Einfluss war gewaltig, und seine antisemitischen Schriften werfen einen dauerhaften Schatten auf sein Erbe.

Paris und die französische Oper

Paris zog alle Komponisten mit der Grand Opéra an, einem prunkvollen Spektakel in fünf Akten mit Ballett und Chören (Meyerbeer, Les Huguenots, 1836). Später kamen Gounods Faust (1859) und Bizets Carmen (1875), anfangs schlecht aufgenommen und heute eine der meistgespielten Opern der Welt. Und Offenbach brachte die Hauptstadt mit der Operette zum Lachen.

Die nationalen Schulen

In Ländern unter der Herrschaft von Imperien (Böhmen, Polen, Ungarn, Norwegen, Finnland) oder solchen, die sich von Deutschland und Italien abheben wollten (Russland, Spanien), schöpften die Komponisten aus den Volksliedern und Volkstänzen, der Geschichte und den Legenden ihres Landes.

• Russland: Glinka gilt mit Ein Leben für den Zaren (1836) als Vater der russischen Musik. Dann wollte das „Mächtige Häuflein“ (Balakirew, Cui, Borodin, Mussorgski, Rimski-Korsakow), fast alle Autodidakten, eine russische Musik frei von westlichen Schulen: Mussorgskis Boris Godunow und Bilder einer Ausstellung, Rimski-Korsakows Scheherazade. Tschaikowsky, am Konservatorium ausgebildet, verband russische Farbe mit der europäischen Tradition.
• Böhmen: Smetana schrieb Die verkaufte Braut (1866) und den Zyklus sinfonischer Dichtungen Má vlast („Mein Vaterland“), dessen Vltava (Die Moldau) dem Lauf des Flusses folgt. Dvořák komponierte Slawische Tänze und während seines Aufenthalts in Amerika die Sinfonie Aus der Neuen Welt (1893).
• Norwegen: Grieg schrieb Lyrische Stücke für Klavier und die Bühnenmusik zu Ibsens Schauspiel Peer Gynt (1876).
• Spanien: Albéniz (Iberia) und Granados (Goyescas) übertrugen die Rhythmen und die andalusische Gitarre aufs Klavier.
• Und außerdem Chopin für Polen, Liszt und seine Ungarischen Rhapsodien, Sibelius und Finlandia (1899) für Finnland.

Hier ist der Anfang der Morgenstimmung aus Griegs Peer Gynt (nach C-Dur transponiert): eine kleine pastorale Figur, die hin und her wiegt, wie eine langsam aufgehende Sonne.

M:6/8
L:1/8
Q:3/8=50
K:C
G E D C D E | G E D C D E | G E G A E A | G E D C3 |]

Und das Englischhorn-Thema aus dem langsamen Satz (Largo) von Dvořáks Sinfonie Aus der Neuen Welt (nach C-Dur transponiert), so schlicht wie ein Volkslied:

M:4/4
L:1/8
Q:1/4=50
K:C
E3 G G4 | E3 D C4 | D2 E2 G2 E2 | D8 |]

Worauf du hören solltest

• Bei Verdi: direkte Gesangsmelodien, kraftvolle Chöre, energische Rhythmen, ein Orchester im Dienst der Stimmen.
• Bei Wagner: ein ununterbrochener Orchesterfluss, wiederkehrende Leitmotive, eine chromatische Harmonik, die die Auflösung endlos hinauszögert.
• In den nationalen Schulen: Wendungen aus dem Volkslied, Tanzrhythmen, Tonleitern und Farben, die für westliche Ohren ungewohnt sind.

Hören

• Verdi: Va, pensiero (Nabucco); das Brindisi aus La traviata.
• Wagner: das Vorspiel zu Tristan und Isolde; der Walkürenritt.
• Bizet: die Habanera aus Carmen.
• Smetana: Die Moldau; Mussorgski: Bilder einer Ausstellung; Grieg: Peer Gynt; Dvořák: Sinfonie Aus der Neuen Welt.