Nach 1945: Serialismus, neue Klänge, Minimal Music

1945 ging Europa in Trümmern aus dem Zweiten Weltkrieg hervor. Für viele junge Komponisten musste alles neu aufgebaut werden, auch die musikalische Sprache, ohne etwas einer Vergangenheit zu verdanken, die in die Katastrophe geführt hatte. Die folgenden Jahrzehnte brachten radikal neue und oft widersprüchliche Ideen hervor: jeden Parameter des Klangs kontrollieren oder im Gegenteil dem Zufall das Feld überlassen; mit Maschinen komponieren oder zu einem einfachen, wiederholten Puls zurückkehren.

Der totale Serialismus

Ab 1946 wurden die Ferienkurse in Darmstadt zum Treffpunkt der Avantgarde. Der junge Pierre Boulez (1925–2016) und Karlheinz Stockhausen (1928–2007) erweiterten Schönbergs Reihe und wendeten sie nicht nur auf die Tonhöhen an, sondern auch auf Dauern, Lautstärken und Anschlagsarten: Das war der totale Serialismus. Ihr Lehrer Olivier Messiaen (1908–1992) hatte mit seinen eigenen Modi und Rhythmen den Weg geebnet und verbrachte Stunden damit, Vogelgesang zu notieren. Das Ergebnis klingt oft wie eine Konstellation von Klangpunkten, für das Ohr unvorhersehbar.

Klänge, die es nie gegeben hatte

1948 komponierte der Ingenieur Pierre Schaeffer beim französischen Rundfunk mit aufgenommenen Geräuschen (Züge, Kochtöpfe): Das war die Musique concrète. Mit Pierre Henry trieb er das Experiment weiter; in Köln baute Stockhausen in den 1950er-Jahren rein elektronische Klänge. Später ermöglichte der Computer, den Klang von innen heraus zu analysieren und zu verwandeln. 1977 eröffnete in Paris unter Boulez’ Leitung das IRCAM, ein Institut, in dem Forscher und Komponisten zusammenarbeiten. In den 1970er-Jahren bauten die „spektralen“ Komponisten (Gérard Grisey, Tristan Murail) ihre Musik auf der Analyse der Obertöne eines Klangs auf.

Zufall und Stille

In den Vereinigten Staaten nahm John Cage (1912–1992) die Gegenposition zur totalen Kontrolle ein. Er traf seine kompositorischen Entscheidungen durch Zufallsoperationen, erfand das präparierte Klavier (Schrauben und Gummi zwischen den Saiten) und stellte 1952 4′33″ vor: Ein Pianist bleibt stumm, und die Musik ist der Klang des Raumes. In Europa erkundeten György Ligeti (mit seinen Klangwolken wie Atmosphères, verwendet im Film 2001: Odyssee im Weltraum) und Iannis Xenakis (der mithilfe der Mathematik komponierte) Klangmassen statt Melodien.

Minimal Music: die Rückkehr des Pulses

Anfang der 1960er-Jahre wurden junge Musiker in New York und Kalifornien einer Avantgarde überdrüssig, die sie abstrakt fanden. Inspiriert von indischer Musik, westafrikanischem Trommeln, Gamelan und Jazz kehrten sie zu einem gleichmäßigen Puls, zu konsonanten Akkorden und zur Wiederholung kurzer Muster zurück, die sich sehr langsam verändern. 1964 gab Terry Rileys In C jedem Musiker 53 kurze Muster, die er frei wiederholen sollte.

Steve Reich (geboren 1936) entdeckte das Phasing mit zwei Tonbandgeräten, die dieselbe Schleife mit ganz leicht unterschiedlicher Geschwindigkeit abspielten: Die beiden Kopien laufen allmählich auseinander und erzeugen neue Muster. Danach übertrug er das Verfahren auf Instrumente und ging zu größeren Werken über wie Music for 18 Musicians (1976). Philip Glass (geboren 1937) baut seine Stücke auf wiederholten Arpeggien auf, die um einen Ton wachsen oder schrumpfen; seine Oper Einstein on the Beach (1976), geschaffen mit dem Regisseur Robert Wilson, dauert fast fünf Stunden.

Hier ist das Prinzip des Phasing in einem erfundenen Beispiel (kein Zitat): Zwei Stimmen spielen dasselbe Muster aus sechs Tönen; ab dem dritten Takt ist die zweite Stimme um eine Achtelnote „verrutscht“.

M:3/4
L:1/8
Q:1/4=126
%%staves {V1 V2}
V:V1 clef=treble
V:V2 clef=treble
K:Em
[V:V1] E A B e d B | E A B e d B | E A B e d B | E A B e d B |]
[V:V2] E A B e d B | E A B e d B | A B e d B E | A B e d B E |]

Pärt und die Musik von heute

Der Este Arvo Pärt (geboren 1935) verstummte, nachdem er serielle Werke geschrieben hatte, für mehrere Jahre und studierte den gregorianischen Choral und die frühe Polyphonie. Um 1976 fand er einen Stil, den er Tintinnabuli („Glöckchen“) nennt: Eine Stimme bewegt sich schrittweise, während eine andere nur die Töne eines Dreiklangs spielt, wie eine läutende Glocke. Hier ist das Prinzip in einem für diese Lektion geschriebenen Beispiel: Die Oberstimme verwendet nur die Töne des a-Moll-Akkords (A, C, E), die der Melodie oberhalb am nächsten liegen.

M:4/4
L:1/4
Q:1/4=60
%%staves {Tv Mv}
V:Tv clef=treble
V:Mv clef=treble
K:Am
[V:Tv] C C E E | A E E C | C4 |]
[V:Mv] A, B, C D | E D C B, | A,4 |]

Heute ist die Kunstmusik vielfältiger denn je: John Adams schreibt Opern über aktuelle Ereignisse, andere mischen Orchester mit Elektronik, Weltmusik, Jazz oder Filmmusik. Es gibt keine vorherrschende „Schule“ mehr, sondern eine Vielzahl von Wegen.

Worauf du hören solltest

• Serialismus: vereinzelte Töne in allen Lagen, Lautstärken, die sich mit jedem Klang ändern, kein wahrnehmbarer Puls.
• Musique concrète oder elektronische Musik: aufgenommene oder synthetisierte Klänge, oft über Lautsprecher wiedergegeben.
• Minimal Music: ein gleichmäßiger Puls, wiederholte Muster, sehr allmähliche Veränderungen, die eine hypnotische Wirkung erzeugen.
• Tintinnabuli: große Langsamkeit, konsonante Akkorde, Stille, eine meditative Atmosphäre.

Hörliste

• Messiaen: Quatuor pour la fin du temps (Quartett auf das Ende der Zeit, 1941), Turangalîla-Symphonie.
• Reich: Music for 18 Musicians; Glass: Glassworks; Riley: In C.
• Pärt: Für Alina, Spiegel im Spiegel, Fratres.
• Ligeti: Atmosphères; Cage: Sonatas and Interludes für präpariertes Klavier.